Fotografia: S láskavým dovolením Naturhistorisches Museum

Táto drobná socha dejín umenia, merajúca len niečo cez štyri palce, bola objavená v Rakúsku v roku 1908. Nikto nevie, akú funkciu plnila, ale dohady siahajú od bohyne plodnosti až po pomoc pri masturbácii. Niektorí vedci tvrdia, že to mohol byť autoportrét vytvorený ženou. Je to najznámejší z mnohých takýchto predmetov zo staršej doby kamennej.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Wiki Media/Philip Pikart

Tento portrét je symbolom ženskej krásy, odkedy bol prvýkrát objavený v roku 1912 v ruinách Amarny, hlavného mesta, ktoré postavil najkontroverznejší faraón staroegyptskej histórie: Achnaton. Život jeho kráľovnej, Nefertiti, je niečo záhadné: Predpokladá sa, že vládla ako faraón istý čas po Achnatonovej smrti – alebo pravdepodobnejšie ako spoluregentka chlapčenského kráľa Tutanchamona. Niektorí egyptológovia sa domnievajú, že bola v skutočnosti Tutovou matkou. Táto štuková vápencová busta je považovaná za ručnú prácu Thutmose, Achnatonovho dvorného sochára.

Fotografia: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Terakotová armáda, objavená v roku 1974, je obrovským skladom hlinených sôch pochovaných v troch obrovských jamách v blízkosti hrobky Shi Huanga, prvého čínskeho cisára, ktorý zomrel v roku 210 pred Kristom. Podľa niektorých odhadov má armáda na ochranu v posmrtnom živote viac ako 8 000 vojakov spolu so 670 koňmi a 130 vozmi. Každý z nich je v životnej veľkosti, hoci skutočná výška sa líši v závislosti od vojenskej hodnosti.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Wiki Media/LivioAndronico

Možno najznámejšia socha rímskej antiky,Laocoon a jeho synoviabol pôvodne objavený v Ríme v roku 1506 a presunutý do Vatikánu, kde sídli dodnes. Vychádza z mýtu o trójskom kňazovi zabitom spolu so svojimi synmi morskými hadmi, ktoré poslal morský boh Poseidon ako odplatu za Laocoönov pokus odhaliť lesť trójskeho koňa. Toto figurálne zoskupenie v životnej veľkosti, pôvodne inštalované v paláci cisára Tita, pripisované trojici gréckych sochárov z ostrova Rhodos, nemá konkurenciu ako štúdium ľudského utrpenia.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Jedno z najikonickejších diel v celej histórii umenia, Michelangelov Dávid, má svoj pôvod vo väčšom projekte zdobenia opor veľkej florentskej katedrály Duomo skupinou postáv prevzatých zo Starého zákona. TheDavidbol jedným a v skutočnosti ho začal v roku 1464 Agostino di Duccio. Počas nasledujúcich dvoch rokov sa Agostinovi podarilo vyťažiť časť obrovského bloku mramoru vytesaného zo slávneho lomu v Carrare, až potom sa zastavil v roku 1466. (Nikto nevie prečo.) Iný umelec nabral nedostatok, ale aj on pracoval na tom krátko. Mramor zostal nedotknutý nasledujúcich 25 rokov, až kým ho Michelangelo v roku 1501 neobnovil. Mal vtedy 26 rokov. Keď skončil, David vážil šesť ton, čo znamená, že ho nebolo možné zdvihnúť na strechu katedrály. Namiesto toho bol vystavený hneď pri vchode do Palazzo Vecchio, florentskej radnice. Figúrka, jedna z najčistejších destilácií štýlu vrcholnej renesancie, bola okamžite prijatá florentskou verejnosťou ako symbol vlastného odporu mestského štátu proti mocnostiam, ktoré sú proti nemu postavené. V roku 1873 saDavidbola presunutá do galérie Accademia a na jej pôvodnom mieste bola nainštalovaná replika.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, uznávaný ako pôvodca vrcholného rímskeho baroka, vytvoril toto majstrovské dielo pre kaplnku v kostole Santa Maria della Vittoria. Barok bol nerozlučne spojený s protireformáciou, prostredníctvom ktorej sa katolícka cirkev snažila zastaviť vlnu protestantizmu, ktorá sa šírila po Európe v 17. storočí. Umelecké diela ako Berniniho boli súčasťou programu na opätovné potvrdenie pápežskej dogmy, ktorú tu dobre poslúžil Berniniho génius, ktorý naplnil náboženské scény dramatickými príbehmi.Extázaje názorným príkladom: Jej námet – svätá Terézia z Ávily, španielska karmelitánka a mystička, ktorá písala o svojom stretnutí s anjelom – je zobrazená práve vtedy, keď sa anjel chystá vraziť šíp do jej srdca.ExtázaErotický nádych je nezameniteľný, najzreteľnejšie v orgazmickom výraze mníšky a zvíjajúcej sa látke, ktorá obe postavy ovíja. Bernini, architekt ako aj umelec, navrhol aj prostredie kaplnky z mramoru, štuku a farby.

Fotografia: S láskavým dovolením Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Taliansky umelec Antonio Canova (1757–1822) je považovaný za najväčšieho sochára 18. storočia. Jeho dielo stelesňovalo neoklasicistický štýl, ako môžete vidieť na jeho mramorovom stvárnení gréckeho mýtického hrdinu Persea. Canova v skutočnosti vytvoril dve verzie diela: Jedna sa nachádza vo Vatikáne v Ríme, zatiaľ čo druhá stojí v Európskom sochárskom dvore Metropolitného múzea umenia.

Fotografia: Metropolitné múzeum umenia

Zatiaľ čo impresionistický majster Edgar Degas je známy najmä ako maliar, pracoval aj v sochárstve a vytvoril to, čo bolo pravdepodobne najradikálnejším úsilím jeho tvorby. Degas vymodelovanýMalý štrnásťročný tanečníkz vosku (z ktorého boli odliate bronzové kópie po jeho smrti v roku 1917), ale skutočnosť, že Degas obliekol svoju rovnomennú postavu do skutočného baletného kostýmu (doplneného živôtikom, tutu a papučami) a parochne z pravých vlasov, spôsobila senzáciu, keďtanečnicadebutoval na šiestej impresionistickej výstave v roku 1881 v Paríži. Degas sa rozhodol zakryť väčšinu svojich ozdôb voskom, aby zodpovedal zvyšku dievčenských čŕt, no ponechal si tutu, ako aj stužku, ktorá jej zaväzovala vlasy, tak ako boli, čím sa postava stala jedným z prvých príkladov nájdeného objektu. umenie.tanečnicabola jedinou sochou, ktorú Degas vystavoval počas svojho života; po jeho smrti sa v jeho ateliéri našlo asi 156 ďalších príkladov.

Fotografia: S láskavým dovolením Philadelphia Museum of Art

Zatiaľ čo väčšina ľudí spája veľkého francúzskeho sochára Augusta Rodina sMysliteľ, tento súbor pripomínajúci incident počas storočnej vojny (1337–1453) medzi Britániou a Francúzskom je pre dejiny sochárstva dôležitejší. poverený výstavbou parku v meste Calais (kde bolo zrušené ročné obliehanie Angličanmi v roku 1346, keď sa šesť mestských starších ponúklo na popravu výmenou za šetrenie obyvateľstva),Mešťaniavyhol sa formátu typickému pre vtedajšie monumenty: Namiesto postáv izolovaných alebo nahromadených do pyramídy na vysokom podstavci, Rodin zostavoval svoje námety v životnej veľkosti priamo na zemi, na úrovni diváka. Tento radikálny posun smerom k realizmu sa rozišiel s hrdinským zaobchádzaním, ktoré sa zvyčajne priznávalo takýmto vonkajším dielam. sMešťania, Rodin urobil jeden z prvých krokov k modernému sochárstvu.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/Wally Gobetz

V roku 1912 Picasso vytvoril kartónovú maketu kusu, ktorý by mal obrovský vplyv na umenie 20. storočia. Aj v zbierke MoMA zobrazovala gitaru, tému, ktorú Picasso často skúmal v maľbe a koláži, av mnohých ohľadochGitarapreniesol kolážové techniky vystrihovania a vkladania z dvoch rozmerov do troch. To isté urobilo aj pre kubizmus, zostavením plochých tvarov vytvorilo mnohostrannú formu s hĺbkou a objemom. Picassovou inováciou bolo vyhnúť sa konvenčnému vyrezávaniu a modelovaniu sochy z pevnej hmoty. namiesto tohoGitarabola spojená ako konštrukcia. Táto myšlienka by sa odrazila od ruského konštruktivizmu až po minimalizmus a ďalej. Dva roky po vytvoreníGitarav kartóne, Picasso vytvoril túto verziu v odrezanom plechu

Fotografia: Metropolitné múzeum umenia

Taliansky futurizmus od svojich radikálnych začiatkov až po svoju konečnú fašistickú inkarnáciu šokoval svet, ale žiadne dielo nezobrazilo číre delirium tohto hnutia ako táto socha jedného z jeho hlavných svetiel: Umberta Boccioniho. Boccioni začínal ako maliar a po výlete do Paríža v roku 1913 sa začal venovať trojrozmernej práci, počas ktorej cestoval po ateliéroch niekoľkých avantgardných sochárov tej doby, akými boli Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon a Alexander Archipenko. Boccioni syntetizoval svoje nápady do tohto dynamického majstrovského diela, ktoré zobrazuje kráčajúcu postavu zasadenú do „syntetickej kontinuity“ pohybu, ako to opísal Boccioni. Dielo bolo pôvodne vytvorené v sadre a vo svojej známej bronzovej verzii bolo odliate až v roku 1931, teda dlho po umelcovej smrti v roku 1916 ako člen talianskeho delostreleckého pluku počas prvej svetovej vojny.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi, narodený v Rumunsku, bol jedným z najvýznamnejších sochárov modernizmu začiatku 20. storočia – a skutočne jednou z najdôležitejších postáv celej histórie sochárstva. Brancusi, akýsi proto-minimalista, prevzal formy z prírody a zjednodušil ich do abstraktných reprezentácií. Jeho štýl bol ovplyvnený ľudovým umením jeho vlasti, ktoré často obsahovalo živé geometrické vzory a štylizované motívy. Nerobil tiež žiadne rozdiely medzi objektom a základňou, pričom ich v určitých prípadoch považoval za vzájomne zameniteľné komponenty – prístup, ktorý predstavoval zásadný rozchod so sochárskymi tradíciami. Tento ikonický kúsok je portrétom jeho modelky a milenky Margit Pogányovej, maďarskej študentky umenia, s ktorou sa stretol v Paríži v roku 1910. Prvá iterácia bola vytesaná do mramoru, po ktorej nasledovala sadrová kópia, z ktorej bol vyrobený tento bronz. Samotná omietka bola vystavená v New Yorku na legendárnej Armory Show v roku 1913, kde ju kritici zosmiešňovali a pranierovali. Bol to však aj najreprodukovanejší kúsok v šou. Brancusi pracoval na rôznych verziáchMlle Poganyuž nejakých 20 rokov.

Fotografia: S láskavým dovolením Múzeum moderného umenia

Koleso bicyklaje považovaný za prvý z Duchampových revolučných readymades. Keď však dielo dokončil vo svojom parížskom ateliéri, naozaj netušil, ako ho nazvať. „Napadla ma šťastná myšlienka pripevniť koleso bicykla na kuchynskú stoličku a sledovať, ako sa otáča,“ povedal neskôr Duchamp. Trvalo to v roku 1915 výlet do New Yorku a vystavenie obrovskej produkcii továrenského tovaru v meste, aby Duchamp prišiel s hotovým termínom. Ešte dôležitejšie je, že začal vidieť, že robiť umenie tradičným, ručným spôsobom sa v priemyselnom veku zdalo zbytočné. Tvrdil, že načo sa obťažovať, keď by to mohli zvládnuť bežne dostupné výrobky. Pre Duchampa bola myšlienka umeleckého diela dôležitejšia ako spôsob, akým bolo vytvorené. Táto predstava – možno prvý skutočný príklad konceptuálneho umenia – by úplne zmenila dejiny umenia vpred. Podobne ako bežný predmet v domácnosti je však originálKoleso bicyklaneprežila: Táto verzia je v skutočnosti replikou z roku 1951.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Obľúbená súčasť stálej zbierky Whitney Museum,Calderov cirkusdestiluje hravú esenciu, ktorú Alexander Calder (1898–1976) priniesol ako umelec, ktorý pomáhal formovať sochu 20.Cirkus, ktorý vznikol počas umelcovho pôsobenia v Paríži, bol menej abstraktný ako jeho závesné „mobily“, ale svojím spôsobom bol rovnako kinetický: vyrobený predovšetkým z drôtu a dreva,Cirkusslúžil ako stredobod improvizačných vystúpení, v ktorých sa Calder pohyboval okolo rôznych figúrok znázorňujúcich hadíčov, hltačov mečov, krotiteľov levov atď., ako božský ringmaster.

Fotografia: S láskavým dovolením Múzeum J. Paula Gettyho

Francúzsky umelec Aristide Maillol (1861–1944) by sa ako maliar a dizajnér tapisérií, ako aj sochár, dal najlepšie opísať ako moderného neoklasicistu, ktorý tradičnému grécko-rímskemu sochárstvu vložil racionalitu z 20. storočia. Dal by sa opísať aj ako radikálneho konzervatívca, aj keď treba pripomenúť, že aj súčasníci avantgardy ako Picasso produkovali diela v adaptácii neoklasicistického štýlu po prvej svetovej vojne. Maillolovým námetom bol ženský akt a v r.L'Air, vytvoril kontrast medzi hmotnou hmotou svojho námetu a tým, ako sa zdá, že sa vznáša v priestore – vyvažuje, ako by to bolo, tvrdohlavú telesnosť s miznúcou prítomnosťou.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/C-Monster

Japonská umelkyňa, ktorá pracuje vo viacerých médiách, Kusama prišla do New Yorku v roku 1957 a do Japonska sa vrátila v roku 1972. Medzičasom sa etablovala ako hlavná osobnosť scény v centre mesta, ktorej umenie sa dotklo mnohých základov, vrátane pop artu, minimalizmu a Performance Art. Ako umelkyňa, ktorá často odkazovala na ženskú sexualitu, bola tiež predchodkyňou feministického umenia. Kusamova práca je často charakterizovaná halucinogénnymi vzormi a opakovaniami foriem, sklonom zakoreneným v určitých psychologických stavoch – halucinácie, OCD – ktorými trpela od detstva. Všetky tieto aspekty Kusumovho umenia a života sa odrážajú v tomto diele, v ktorom obyčajné čalúnené kreslo znervózňujúco pohltí morový výbuch falických výbežkov vyrobených zo šitej vypchatej látky.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930 – 2016), známa jednoducho podľa svojho krstného mena, sa narodila v Paríži venezuelským rodičom. Ako umelkyňa sa spájala s pop artom a neskôr s op artom, hoci štylisticky nepatrila ani k jednej skupine. Namiesto toho vytvorila figuratívne obrázky, ktoré boli myslené ako feministické satiry rodových rolí, celebrít a bohatstva. InŽeny a pesberie na seba objektivizáciu žien a spôsob, akým sa mužmi vnútené štandardy ženskosti používajú na to, aby ich prinútili prispôsobiť sa.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/Rocor

Brillo Box je možno najznámejším zo série sochárskych diel, ktoré Warhol vytvoril v polovici 60-tych rokov a ktoré efektívne posunuli jeho skúmanie popkultúry do troch dimenzií. Verný názvu, ktorý dal Warhol svojmu ateliéru – Factory – umelec najal tesárov, aby pracovali na akejsi montážnej linke a spájali drevené škatule v tvare kartónov na rôzne produkty, vrátane kečupu Heinz, Kellogg's Corn Flakes a Campbell's Soup. no Brillo mydlové vankúšiky. Potom namaľoval každú krabicu farbou zodpovedajúcou originálu (biela v prípade Brillo) a potom pridal názov produktu a logo na sieťotlač. Škatule, ktoré boli vytvorené v násobkoch, sa často zobrazovali vo veľkých hromadách, čím sa akákoľvek galéria, v ktorej sa nachádzali, účinne zmenila na vysokokultúrnu faksimile skladu. Ich tvar a sériová výroba boli možno prikývnutím – alebo paródiou – vtedy vznikajúceho minimalistického štýlu. Ale skutočný zmyselBrillo Boxje to, ako jeho úzka aproximácia skutočnej veci narúša umelecké konvencie tým, že naznačuje, že neexistuje žiadny skutočný rozdiel medzi vyrobeným tovarom a prácou z umelcovho štúdia.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/Esther Westerveld

Meno Donalda Judda je synonymom pre Minimal Art, hnutie v polovici 60. rokov, ktoré destilovalo racionalistické napätie modernizmu na holé základy. Pre Judda sochárstvo znamenalo artikulovať konkrétnu prítomnosť diela v priestore. Táto myšlienka bola opísaná pojmom „špecifický objekt“ a zatiaľ čo iní minimalisti ju prijali, Judd pravdepodobne dal tejto myšlienke jej najčistejšie vyjadrenie prijatím krabice ako svojej podpisovej formy. Podobne ako Warhol ich vyrábal ako opakujúce sa jednotky s použitím materiálov a metód prevzatých z priemyselnej výroby. Na rozdiel od Warholových polievkových plechoviek a Marilyns sa Juddovo umenie neodvolávalo na nič mimo seba. Jeho „hromady“ patria medzi jeho najznámejšie kúsky. Každý pozostáva zo skupiny identicky plytkých boxov vyrobených z pozinkovaného plechu, ktoré vyčnievajú zo steny a vytvárajú stĺpec rovnomerne rozmiestnených prvkov. Ale Judd, ktorý začínal ako maliar, sa rovnako zaujímal o farbu a textúru ako o formu, ako je to tu vidieť podľa zeleného laku karosérie naneseného na prednú stranu každej škatule. Juddova súhra farieb a materiálu dávaBez názvu (zásobník)prieberčivá elegancia, ktorá zmierňuje jej abstraktný absolutizmus.

Fotografia: S láskavým dovolením CC/Flickr/Rocor

Rovnako ako Benglis, aj Hesse bola umelkyňou, ktorá filtrovala postminimalizmus cez pravdepodobne feministickú prizmu. Židovka, ktorá ako dieťa utiekla z nacistického Nemecka, skúmala organické formy, vytvárala kúsky z priemyselného laminátu, latexu a lana, ktoré evokovali kožu alebo mäso, pohlavné orgány a iné časti tela. Vzhľadom na jej pôvod je lákavé nájsť v dielach, ako je toto, spodný prúd traumy alebo úzkosti.

Fotografia: S láskavým dovolením Múzeum moderného umenia

Po Juddovi a Flavinovi sa skupina umelcov odklonila od minimalizmu estetiky čistých línií. Ako súčasť tejto postminimalistickej generácie Richard Serra vložil koncept špecifického objektu na steroidy, čím výrazne zväčšil jeho rozsah a hmotnosť a stal sa súčasťou tejto myšlienky gravitačné zákony. Vytvoril neisté vyvažovacie akty z oceľových alebo olovených plechov a rúr vážiacich v tonách, čo malo za následok pocit ohrozenia diela. (Pri dvoch príležitostiach boli montážnici, ktorí inštalovali diely Serra, zabití alebo zmrzačení, keď sa dielo náhodou zrútilo.) V posledných desaťročiach si Serrovo dielo osvojilo zakrivenie, vďaka ktorému sa stalo veľmi populárnym, ale na začiatku fungovali ako One Ton Prop (House of Cards), ktorý obsahuje štyri olovené platne naklonené k sebe, komunikoval svoje obavy s brutálnou priamosťou.

Fotografia: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Po všeobecnom protikultúrnom trende počas 60. a 70. rokov 20. storočia sa umelci začali vzbúriť proti komercializmu sveta galérií a vyvinuli radikálne nové formy umenia, ako napríklad zemné práce. Vedúcou osobnosťou žánru, známy aj ako land art, bol Robert Smithson (1938–1973), ktorý sa spolu s umelcami ako Michael Heizer, Walter De Maria a James Turrel vydal do púští západných Spojených štátov, aby vytvorili monumentálne diela, ktoré konali v súlade so svojím okolím. Tento site-specific prístup, ako sa to začalo nazývať, často využíval materiály prevzaté priamo z krajiny. To je prípad SmithsonovejŠpirálové mólo, ktorá vyčnieva do Veľkého soľného jazera v Utahu z bodu Rozel Point na severovýchodnom brehu jazera. Vyrobené z bahna, kryštálov soli a čadiča extrahovaného na mieste,Špirálové mólo meria1 500 x 15 stôp. Celé desaťročia bolo ponorené pod jazerom, kým ho sucho začiatkom roku 2000 opäť nevynieslo na povrch. V roku 2017Špirálové mólobol vymenovaný za oficiálne umelecké dielo Utahu.

Fotografia: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Charakteristické dielo umelca francúzskeho pôvodu,Pavúkvznikla v polovici 90. rokov, keď už mala Bourgeois (1911-2010) osemdesiatku. Existuje v mnohých verziách rôzneho rozsahu, vrátane niektorých, ktoré sú monumentálne.Pavúkje myslené ako pocta umelcovej matke, reštaurátorke tapisérií (odtiaľ narážka na sklon pavúkovcov k spriadanie pavučín).

Shutterstock

Antony Gormley, víťaz prestížnej Turnerovej ceny z roku 1994, je jedným z najuznávanejších súčasných sochárov v Spojenom kráľovstve, no vo svete je známy aj vďaka svojmu jedinečnému prístupu k figuratívnemu umeniu, v ktorom sú založené veľké variácie v mierke a štýle. z väčšej časti na tej istej predlohe: Odliatok vlastného tela umelca. To platí o tomto obrovskom okrídlenom monumente, ktorý sa nachádza neďaleko mesta Gateshead v severovýchodnom Anglicku. Nachádza sa pozdĺž hlavnej cesty,Anjelstúpa do výšky 66 stôp a má šírku 177 stôp od konca krídla po koniec krídla. Podľa Gormleyho je dielo myslené ako akýsi symbolický znak medzi priemyselnou minulosťou Británie (socha sa nachádza v anglickej uhoľnej krajine, srdci priemyselnej revolúcie) a jej postindustriálnou budúcnosťou.

S láskavým dovolením CC/Flickr/Richard Howe

Obyvatelia Chicaga ho láskavo nazývali „The Bean“ pre jeho ohnutý elipsoidný tvar,Cloud Gate, verejné umelecké centrum Anisha Kapoora pre Millenium Park v Druhom meste, je umeleckým dielom aj architektúrou a poskytuje klenbu pripravený na Instagram pre nedeľné kočíky a iných návštevníkov parku. Vyrobené zo zrkadlovej ocele,Cloud GateOdrazivosť a veľké rozmery z neho robia najznámejší kúsok od Kapoora.

S láskavým dovolením umelca a Greene Naftali, New York

Práca Rachel Harrison spája dokonalý formalizmus so schopnosťou vkladať zdanlivo abstraktné prvky s viacerými význammi, vrátane politických. Ostro spochybňuje monumentalitu a mužskú výsadu, ktorá s ňou súvisí. Harrison vytvára väčšinu svojich sôch skladaním a usporiadaním blokov alebo dosiek z polystyrénu a potom ich zakryje kombináciou cementu a maliarskych rozkvetov. Čerešničkou na vrchole je nejaký druh nájdeného predmetu, či už samostatne alebo v kombinácii s inými. Skvelým príkladom je táto figurína na vrchole podlhovastého tvaru postriekaného farbou. Dielo, ktoré má na sebe plášť a masku Abraháma Lincolna obrátenú smerom dozadu, vysiela teóriu veľkého muža histórie s evokáciou dobyvateľa starovekého sveta stojaceho vysoko na skale klaunskej farby..